从波士顿《校园风云》片场风尘仆仆地归来后，亚历克斯·肖恩甚至没来得及休息，就被一股脑儿卷入了holown乐队首张专辑制作的巨大旋涡之中。
日程表排得密不透风，录音室成了他的第二个家。
好消息是，《creep》这匹黑马依旧在公告牌的榜单上倔强地弛骋，前十名的位置已被它牢牢盘踞了六周之久。
而在另类摇滚榜单上连续四周占据榜首位置，直到上一周才被涅乐队给赶下来。
电台点播率也高得吓人，时常能够在深夜电台里听到这首歌被反复播放。
这首充斥着疏离感与爆发力的另类摇滚歌曲，象一枚精准投入池塘的石子，在北美大陆激起了层层涟漪，影响力正从内核摇滚圈向更广阔的听众群体扩散。
《滚石》杂志不吝赞美，将其列入“1991年迄今最好的十首摇滚歌曲”，这无疑是对歌曲质量的最高背书。
然而，在九十年代初的时空里，信息的洪流尚未被互联网的渠道彻底疏通。
音乐的传播，依旧顽固地依赖看传统的动脉。
电台dj的青睐与反复播放、tv频道闪铄的v画面，以及唱片行货架上那等待被发现的实体载体等等方式。
因此，《creep》的声浪，目前还未能真正意义上地越过大西洋，触及欧洲的彼岸。
terspe唱片公司的策略清淅而务实，holown乐队的全球野心，必须创建在首张专辑在北美本土取得无可争议的成功之上。
于是，制作这张意义非凡的处女专辑，就成了乐队眼前最紧迫、也最不容有失的头等大事。
所幸，亚历克斯的存在本身就是一张王牌。
他那仿佛永不枯竭的‘创作才华”，为专辑的曲库提供了坚实的内核保障。
除了已经声名大噪、必然收录的《creep》之外，亚历克斯再次施展了他那令人惊叹的“创作”魔法。
这一次，他从记忆的宝库深处，小心翼翼地取出了电台司令的另一颗明珠，名字叫《nosurprises》。
与《creep》那种近乎撕裂的自我宣泄截然不同，《nosurprises》呈现的是另一种美学维度。
它的旋律线舒缓而优美，带着一种近乎透明的忧伤。
编曲则走向极致的简洁与干净，空灵的电辅音效如同薄雾般弥漫，清脆的原声吉他分解和弦如同雨滴般规律地敲击。
共同编织出一种近乎催眠的、表面平静却暗流涌动的氛围。
然而，剥开这层看似温顺的音乐外衣，歌词却包裹着极其锋利的内核，它冷静地解剖着现代生活的荒谬、无处不在的压抑与精神上的深度麻木。
这种音乐形式与歌词内函之间形成的巨大张力，在乐队排练室里引发了有趣的讨论。
亚历克斯抱着吉他，看着队友们消化完这首新歌，嘴角勾起一抹带起自嘲的微笑。
“伙计们，瞧瞧这曲子。它听起来——-嗯，不那么像传统的‘摇滚”吧？电吉他不嚎叫，鼓点也不砸穿地板。
但是”
他停顿了一下，眼神变得认真：“它骨子里的那股反抗劲儿，那股对现状的冰冷审视和无声呐喊，我觉得比那些砸烂吉他的朋克还要硬核，还要绝望。
或许，我们该给它一个新标签？”
他环视一周，抛出了一个半开玩笑的概念：“叫精神摇滚？毕竟，作为一个根正苗红、从曼彻斯特那个叛逆窝子里爬出来的英国摇滚小子，”
亚历克斯刻意扬了扬眉毛，语气戏谑：“要是在歌里不夹枪带棒地讽刺两句政府和社会，简直就象出厂设置没激活一样，太不专业了。”
曼彻斯特，这座工业革命的摇篮，在音乐领域更是孕育反叛精神的温床。
从thesiths阴郁诗意的社会批判，到thestoneroses融合迷幻与舞曲的锐利锋芒，对不公的控诉和对现实的辛辣讽刺，几乎成了这座城市输出乐队与歌手的出厂标配。
即使在80年代英国政府试图对摇滚乐施加钳制的艰难时期，这种叛逆精神非但未曾熄灭，反而淬炼得如同勋章般耀眼。
到了90年代初，这种深入骨髓的批判传统，依然在曼城音乐人的血液里奔流不息。
《泰唔士报》曾在一篇深入剖析曼彻斯特音乐现象的文章中，精准地捕捉到了这种城市气质，文章的标题就叫做《叛逆之人：曼彻斯特》。
久而久之，当局似乎也疲于应对，索性摆出一副“你骂你的，我干我的”的放任姿态。
只要不掉块肉，随它去吧。
亚历克斯贡献的六首歌曲，风格跨度之大，足以让初次接触小样的人感到一丝错：
《creep》是属于那种阴郁、自我厌弃、充满破坏力的另类摇滚。
《nosurprises》则是表面平静治愈，内核却如手术刀般精准批判现代社会的精神摇滚。
这两首歌都来自于亚历克斯记忆里，电台司令的名曲。
颂歌，阳光而昂扬。
来自基音乐队的《sowhereonlyweknow》，温暖怀l旧、旋律优美动人的抒情摇滚，带着淡淡的感伤。
超感乐队的《lntothefire》氛围感十足，融合电子与后摇元素，情绪层层递进。
同样来自绿洲乐队的《scrygyourheartout》，宏大、感人至深的救赎之歌，情感冲击力极强。
当这六首歌的小样在排练室响起时，贝斯手罗南·本森第一个按下了暂停键，他挠了挠头，表情困惑。
“伙计们，我得说—这六首歌，听起来完全不象一个妈生的啊！风格跳跃太大了，根本不象现在市面上流行的任何一支乐队的统一调调。”
至于唱片公司收录的其他四首歌，属于拿来凑数的。属于当下主流摇滚歌曲，风格变化不大。
迪兰激动地挥舞着手臂反驳：“罗南，老兄，你太保守了！我觉得这棒极了！这才是新东西！
谁说摇滚就必须是暴躁的鼓点、失真的吉他solo？
摇滚的内核是精神，是态度！亚历克斯这些歌，每一首都带着摇滚的反骨和独立思考，只是表达方式不同罢了。
我认为，这完全可以叫新摇滚！”
迪兰的‘新摇滚’概念很好，或许我们可以更精确点，就叫‘英伦新摇滚”？这绝对能成为一个卖点。”
亚历克斯听着队友们的争论，脸上带着一种了然于胸的平静。
他放下吉他，走到控制台前，声音不高却带着内核成员不容置疑的分量：“罗南的顾虑我理解，迪兰和约翰的想法我也赞同。
但我想说的是，风格，”
他轻轻吐出这个词，带着点审视的口吻：“它本质上只是一种形式，一种方便别人把我们归类归档的标签。
他环视着每一位成员，眼神坚定。
“看看当下的音乐版图吧，伙计们。那些把自己锁死在单一风格里的乐队，路是不是越走越窄了？
听众的口味在飞速变化，市场也在不断分化。
只有敢于尝试、勇于融合，吸纳不同音乐类型的养分，乐队的生命力才能长久，才能真正做到“长盛不衰’。
这六首歌，就是这种理念的第一次实践。
而且
亚历克斯的嘴角露出一丝狡点又充满野心的笑容：“我已经在构思下一张专辑了。
我写了几首相当带劲的曲子，融合了金属的凶猛和嘻哈的节奏，我们或许可以称之为‘新金属”。
到时候，大家可别被吓到。”
亚历克斯是乐队的灵魂，是词曲创作的内核引擎，更是乐队得以存在并签约terspe的根本原因。
他清淅的愿景和不容置疑的音乐领导力，让罗南的疑虑迅速消散。
乐队上下达成了一致：拥抱多元，拒绝标签化。
目标明确后，地狱般的录音室磨砺正式拉开帷幕。
terspe对这张专辑寄予厚望，派出了豪华的制作阵容，公司金牌制作人大卫·格芬本人与经验丰富的乐队经理麦特·瓦勒斯共同担任制作人。
这两位制作人对音乐品质的追求近乎偏执，堪称“魔鬼制作人”。
录音室变成了一个声音的精密实验室，一个吉他音色的细微差别就要反复琢磨实验好久。
是更“脆”一点还是更“毛躁”一点？一个贝斯音符的延音长度是否恰到好处？鼓点的力度层次是否足够分明？
亚历克斯演唱某一句歌词时，是应该带着疲惫的疏离感，还是隐忍的愤怒，或是彻底的绝望？
每一个细节都被放在显微镜下反复审视、争论、推翻、重来。
《nosurprises》这首歌，为了捕捉到亚历克斯声音里那种“平静表面下的室息感”和“近乎机械的精准绝望”，光是主唱人声部分就录了足足七十多遍。
亚历克斯被要求一遍遍地唱，直到嗓子发干，眼神都有些发直，大卫·格芬追求的是那种“灵魂被抽空”的精确感。
而《scrygyourheartout》的和声部分，更是成了乐队成员的噩梦。
为了达到那种既宏大又纯净、充满救赎力量的圣咏般效果，亚历克斯和负责和声的成员们被关在录音室里反复录制，前后加起来超过一百遍。
每一次都要求情感更饱满、音准更完美、融合度更高。
走出录音棚时，大家的耳朵嗡作响，大脑一片空白。
每一天的结束都伴随着精疲力竭和些许的崩溃感，让乐队苦不堪言。
然而，神奇的是，第二天一早，当大家拖着灌了铅似的双腿再次走进录音室。看到那些闪铄的指示灯、堆栈的母带盘，以及彼此眼中同样燃烧的火焰时，疲惫似乎又被一种更强大的力量驱散了。
“这张专辑，会成功，会大火！”
这种对未来的巨大期待，成了支撑他们熬过魔鬼制作过程的最强心剂。